Fargo, temporada 1

La Asociación de la Prensa extranjera de Hollywood elige Fargo como mejor miniserie de Televisión.

La serie inspirada en la película de los hermanos Cohen y que ha supuesto el renacer de Billy Bob Thornton, se impone contra todo pronóstico a True Detective.

fargo

Hace un par de semanas, en la entrada anterior, elegía mis favoritos de este año. En el apartado de series aposté por Fargo y por Billy Bob Thornton, totalmente convencido de que realmente lo eran y convencido también de que True Detective iba a ganar la partida en los Globos de Oro.

No es cuestión de debatir cual es mejor, las dos son muy buenas ficciones, seguramente las mejores del año. True Detective puede ser formalmente superior y contar con diálogos mejor escritos, pero no se puede negar que Fargo cuida mejor el factor sorpresa y cuenta con un registro de humor (marca Cohen) que la hace mucho más amena para el espectador medio. En ambos casos las interpretaciones son de 10 en casi todo el reparto.

Fargo es una serie atípica. Basada en hechos reales y compuesta únicamente por 10 episodios, narra la llegada de un peculiar sicario (Billy Bob Thornton) a una pacífica ciudad de Minnesota. El encuentro casual con Lester (Martin Freeman), un vendedor de seguros con muchas inseguridades causará un desastre con el que tendrá que lidiar la inexperta policía local.

¿Es necesario haber visto la película de 1996 para disfrutar de la serie?

No, son historias completamente diferentes, con más de una década de diferencia entre una y otra. Solo comparten escenario y estilo de personajes. Si es recomendable ver la película antes, pero porque también es muy buena. Hay un guiño argumental al principio del cuarto episodio que se entiende mejor si has visto la película.

Un papel a la medida de Thornton

 billy bob

Billy Bob, ex marido de Angelina Jolie, es uno de tantos que llegó, triunfó (Oscar al mejor guión incluido), desapareció y parece estar viviendo su redención gracias a Lorne Malvo, su personaje en Fargo, un excéntrico psicópata que le ha valido el Globo de Oro. El discurso de Thornton de anoche le define a la perfección: “Hoy en día, digas lo que digas te metes en problemas, y lo sé por mi experiencia personal. Así que solo diré Gracias”. Y se marchó. Muy Tarantino.

 El mejor capítulo. (Contiene ligeros Spoilers).

Los diez primeros minutos de A Fox, a Rabbit, and a Cabbage (1×09) son una muestra de frescura y originalidad desbordante. Clase magistral de guión, concretamente de creación de personajes y vínculos afectivos. Se deja leer entre líneas los objetivos y motivaciones del personaje que ya creemos conocer un poco y luego cogen todo eso y lo tiran a la basura de una forma magistral. Con una estética y un escenario (el ascensor) inolvidables. Luego lo coronas con un chiste con un humor negro irresistible. Ahora que salgan los que dicen que está todo inventado.

También la transición de un año del capítulo anterior The heap (1×08) fue sensacional, sin palabras, el espectador recibía toda la información de la evolución de los personajes en ese lapso de tiempo. En menor medida, Fargo está hecho de momentos y atrevimientos como este. Con una estética, un lenguaje y unos productos icónicos sencillos y fácilmente reconocibles, como un martillo, un póster de peces o un plumas de color naranja.

Se prepara segunda temporada, basada en hechos de los ochenta de los que habla Lou (Keith Carradine) un par de veces durante la serie. El listón está muy alto, esperamos que nos sorprendan de nuevo.

Lo mejor de 2014 y Feliz 2015

Primero, disculparme por estos casi tres meses de silencio. Ha sido una etapa de mi vida muy productiva en muchos aspectos. A la campaña de Navidad de mi actual trabajo en Lamee Software, se han añadido las colaboraciones para El Asombrario, la Revista de deportes Elite Sport y la web de noticias sobre manga y anime Ramen Para Dos.

Al empezar 2014 solo podía dedicar mi tiempo de provecho a este blog, y gracias a él he llegado a los otros 4 puestos de trabajo por los que estoy tan agradecido.

Manga7ine es especial para mi por haber sido el punto de partida profesional, así que lo retomare muy pronto para hacerlo mejor. Gracias!

Os dejo los 10 preferidos de 2014, Feliz Año!

1. Mejor Película 2014

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Interestellar

2. Mejor Director 2014

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Richard Linklater (Boyhood)

3. Mejor Actor 2014

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Matthew Mc Conaughey (The Dallas Buyers Club)

4. Mejor Actriz 2014

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Keira Knightley (Begin Again)

5. Mejor serie de Televisión Drama 2014

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Fargo (temporada 1)

6. Mejor Serie de Televisión Comedia 2014

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Big Bang Theory (temporada 7)

7. Mejor Actor de Televisión 2014

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Billy Bob Thornton (Fargo)

8. Mejor Actriz Televisión 2014

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Jessica Lange (American Horror History Coven)

9. Mejor Manga empezado en 2014

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All You Need is Kill

10. Mejor Manga que se ha seguido publicando en España 2014

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Fénix

Espero vuestras réplicas

¡¡Feliz 2015!!

BOYHOOD

Linklater colabora con el paso tiempo.

Dirección: Richard Linklater

Guión: Richard Linklater

165 minutos

Argumento:

Mason (Ellar Coltrane) es un niño de 6 años al que vemos crecer a lo largo de más de una década hasta su mayoría de edad. Desde la temprana separación de sus padres (Ethan Hawke y Patricia Arquette) los cambios en la vida de Mason son constantes: las mudanzas, el peregrinar por diferentes colegios, el paso de personas mas o menos influyentes, los buenos momentos y los malos van marcando su personalidad mientras crece.

CREDIT: Matt Lankes for IFC Films

La escena: Padre e hijo comparten sus experiencias con las mujeres.

El paso del tiempo puede llegar a obsesionarnos. Jesse (también Ethan Hawke a las órdenes de Linklater) comentaba poco después de que amaneciera en “Antes del amanecer (1995)”  que “no puedes dominar el tiempo”. Después los protagonistas y el director volverían a acudir a su cita con el tiempo cada 9 años.

El director de la trilogía “Antes de… (1995-2013)” Richard Linklater tenía en mente un proyecto en el que poder servirse de una de las barreras que siempre se encuentra una película: El paso del tiempo. Una cinta comercial apenas tiene 4 meses de rodaje para narrar historias que suelen ir más allá de ese tiempo. Es en ese punto donde entra en juego el equipo de casting para elegir varios actores para un mismo personaje o el equipo de maquillaje para caracterizarlos.

Para un director desconocido habría sido imposible sacar adelante semejante proyecto: una película rodada durante 12 años (en 39 días de rodaje desde 2002 a 2013). Para Linklater tampoco fue tarea fácil contar con la financiación y el compromiso del equipo durante tanto tiempo. Luego estaba el impedimento que suponía el propio paso del tiempo. No se sabía si como ha resultado sería un aliado o acabaría siendo un enemigo que tumbaría el proyecto. Linklater explica que “estaba dispuesto a que naciera una colaboración entre mis ideas iniciales y la realidad de los cambios por los que pasarían los actores en ese periodo de tiempo. En cierto modo la película se convirtió en una colaboración con el tiempo mismo. Y el tiempo demostró ser un buen colaborador, aunque no siempre muy predecible”. Que se lo digan a Patricia Arquette, que de un año para otro dejó de ser un mito.

La película es esencialmente costumbrista y en algunos tramos puede resultar lenta. No todo en una vida es emocionante, aglutinar todos los sentimientos y emociones en poco menos de tres horas es muy complicado. Detrás de cada plano vemos una evolución, por ejemplo de moda y tecnología (de la Game Boy Advanced al Skype en un smartphone), y aunque en algunos aspectos no entendamos esa profunda crítica al estilo de vida americano, todos podemos sentirnos identificados en algún pasaje de la vida de Mason y su familia.

Para los fans de Dragon Ball, imposible no sentirse nostálgicos (y bastante mayores) viendo como el pequeño Mason devora la saga de Bu en televisión (a EEUU tardó en llegar) y tiene el cuarto de su primera habitación empapelada con motivos del anime más famoso.

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LOS MERCENARIOS 3

Acción sin riesgo.

Dirección: Patrick Hughes

Guión: Sylvester Stallone, Creighton Rothenberger, Katrin Benedikt

126 minutos

Argumento:

Tercera parte de la saga dedicada a la banda de mercenarios que trabajan para Barney Ross (Sylvester Stallone). En esta entrega Barney tratará de proteger a su equipo de su guerra personal contra Conrad Stonebanks (Mel Gibson) antiguo socio al que daba por muerto.

MERCENARIOS 3

La escena: Galgo (Antonio Banderas) vuelve a disfrutar de un día de trabajo.

Con el poco acierto con el que manejó su crisis con Bruce Willis, al que tildó públicamente (twitter) de vago y avaricioso, ha manejado Stallone el guión de esta tercera parte. Sin quitarle la razón en que su producto es efectivo y en que Willis ha abandonado mucho su carrera, cabía esperar un poco más de un producto que no mejora en nada a sus predecesoras.

A los acérrimos (entre los que figuro) que me preguntan ¿y qué esperabas? les puedo contestar que mucho más. En esta película Barney Ross ya no es la caricatura graciosa de un Stallone consciente de sus limitaciones. No delega casi nada a su elenco (su arma más poderosa) y se pone dramático hasta la antipatía. En la soledad funciona mejor Mel Gibson, al que un par de compinches de renombre no le habría hecho ningún mal y habría dado más emoción al conjunto de la película. En ese humor olvidado emerge la figura de Antonio Banderas que brilla casi en solitario.

La acción pierde enteros con una excesiva pirotecnia y una escasa (solo algo y hacia el final) lucha cuerpo a cuerpo. En este apartado la primera parte estuvo mucho más cuidada y equilibrada, dando lucimiento a todos los actores del reparto, cada uno explotando su especialidad. La casi media hora de metraje de más que tiene con respecto a los dos primeras partes debería estar mejor repartida entre el numeroso elenco de estrellas.

Aún haciéndose algo larga, los amantes de la acción la disfrutarán. A título personal celebro que haya planes de cuarta parte, mas cuando a pocos días del estreno se filtró la película, algo que haría tirar la toalla a cualquiera. La idea sigue siendo un guiño muy inteligente y rentable para los que disfrutaron del cine de acción de los ochenta. Con otros elementos, tal vez resucitando directores de la época como Paul Verhoeven o John Mc Tiernan, el producto se puede seguir explotando y disfrutando a partes iguales.

BEGIN AGAIN

Cuento musical sobre segundas oportunidades.

Dirección: John Carney

Guión: John Carney

104 minutos

Argumento:

Gretta (Keira Knightley) y su novio Dave (Adam Levine) llegan a Manhattan para triunfar en el mundo de la música. Dave acaba de firmar un gran contrato y poco a poco se aleja profesional y sentimentalmente de Gretta. Una noche en un bar del Village, Gretta canta para un público poco entregado entre los que se encuentra Dan (Mark Ruffalo), un productor de discos en horas bajas que ve en ella una oportunidad de redención.

Begin-Again

La escena: Las listas de música de un ipod dicen mucho de una persona y son lo mejor que se puede bailar en una discoteca.

Antes de empezar debo confesar que no soy nada objetivo con lo referente a Keira Knightley. La debilidad viene de lejos, desde sus inicios disparando a puerta como Beckham, ejerciendo la piratería junto a Johnny Deep, orgullosa y prejuiciosa o enamorando al impasible Rick Grimes (The Walking Dead) en Love Actually (2003). Llevaba un tiempo perdida en películas históricas sin mucho peso (como ella :)). El reencuentro era esperado y tras el chirrido que produce esa primera mueca tan característica, te va ganando poco a poco y ya no sabes si está tan bien como te transmite o eres tú el que la ves con buenos ojos. Así que solo celebro que haya vuelto a un cine más fresco y vivo, con un reparto estupendo y con un director, el dublinés John Carney, que demuestra que Once (2006) no fue algo casual. Maneja ágilmente los tiempos, el guión, la escenografía y hace una preciosa oda a la música, sin caer en el musical. La historia es sólida, tiene romance, parecido (y mejorado) al de Sofía Coppola en Lost In Traslation (2003) lo que es poner el listón alto.

Por el planteamiento puede parecer una película triste, no apto para corazones débiles. Es todo lo contrario, un subidón, lleno de optimismo (tal vez demasiado) sobre personas que buscan segundas oportunidades, desde puntos de vista muy diversos y con objetivos muy concretos. Rehacerse después de un golpe es duro, el éxito no está garantizado pero levantarse e intentarlo no es negociable.

Otro mérito de la película es hablar tanto y en tanta profundidad sobre el actual estado del mundo de la música sin cansar al espectador medio. Las nuevas tecnologías están perfectamente adaptadas y juegan un papel fundamental en la narración, en el inicio del flashback de Gretta y Dave, en el paseo musical por el colorido Times Square o en los precarios métodos de grabación de la nueva asociación musical. Os dejo el tema central de la película, Keira canta bien (también), pero suena mucho mejor interpretado por Adam Levin (Maroon 5).

MALÉFICA

Disney se borra del amor verdadero.

Maleficent

Dirección: Robert Stomberg

Guión: Linda Woolverton y Charles Perrault (basado en “La bella durmiente”)

97 minutos

Argumento:

Maléfica (Angelina Jolie), antagonista del clásico “La bella durmiente” (1959) es ahora la protagonista de esta otra versión del cuento. Aquí vemos la evolución de la villana desde su infancia hasta el dolor que experimentó en su juventud y le empujó a lanzar la célebre maldición sobre la pequeña Aurora.

malefica

La escena: Una Maléfica tocada por un corazón puro se arrepiente de sus actos.

Una de las villanas más querida de la factoría Disney ha encontrado su redención en un formato que esta de moda: Hacer que el protagonista sea malo. Lo hemos visto sobretodo en la Tv, con Donald Draper (Mad Men), Dexter Morgan o Walter White (en la aclamada Breaking Bad) entre muchos otros. Pero en todos los casos, más acusado en este al ser un producto para niños, es una forma de ver que no existe el malo ni el bueno, que hay grises, matices, y que al final las personas somos tan capaces de obrar mal como de obrar bien. Es algo inherente en el ser humano. Y al espectador le gusta sentirse identificado.

Otro factor que pone en solfa esta película es el valor actual que tiene el amor verdadero. Mientras que a lo largo de toda las historia de la factoría del ratón animado, o actualmente en la serie “Érase una vez” de la cadena hermana ACB se empeñan en demostrar la existencia de un amor idílico que vence cualquier contratiempo, en esta película se reniega totalmente de él. La figura del eterno Príncipe Azul queda en entredicho (Además Felipe ya es rey :)) con un personaje un tanto ridículo, que está bien, es guapo y algo simplón y suena a premio menor, nunca a un final feliz. Cómo ha cambiado el cuento… ¡Mujeres independientes al poder!

El producto en si es bueno, muy acertado y ha rendido estupendamente en taquilla. Las interpretaciones quedan ensombrecidas por una Angelina Jolie que domina todo y despierta el temor de todos menos de su hija, que da vida a la versión infantil de Aurora. La producción está cuidada, con escenas espectaculares, algo largas, para tratar de justificar el uso de tecnología 3D. La banda sonora acompaña bien y cierra de forma magistral con una revisión oscura del “Once Upon a Dream” en la voz de Lana Del Rey.

Somos Chicos de Menta – Wataru Yoshizumi

Manga refrescante y divertido para releer en verano.

Somos chicos de menta 6 (de 6)

Rústica sin solapas con s/cub. 5.95 €

somos chicos de menta page

La semana pasada rescaté este manga de la estantería para amenizar las idas y venidas de casa al trabajo. Y me ha durado eso, una escasa semana. La recordaba muy buena, pero es mejor. Lo más divertido que ha escrito la dibujante de Marmalade Boy (1992). El ritmo es dinámico y fresco, el humor natural y espontáneo. El dibujo, a pesar de las dificultades de apreciación que ofrece la presente edición, es perfecto. La principal diferencia con la obra más famosa de Wataru Yoshizumi es que ésta no tiene un alto contenido dramático y, aún con sus simplicidades, en muchos tramos la supera.

Los protagonista de Somos chicos de menta (Mint na Bokura, 1997) son los gemelos María y Noel Minamino. Durante un verano, María se enamora y decide irse a un internado sin consultárselo a su inseparable hermano gemelo. Enfadado por la decisión de María, Noel decide entrar en el internado disfrazado de chica para tratar de chafar la historia de amor de su hermana y llevarla de vuelta a casa. Con lo que no contará Noel es con que él también puede llegar a tener sentimientos por otras chicas o despertarlos en otros chicos. La enigmática Miyu, compañera de habitación de Noel y Sasa, la estrella del club de baloncesto completan el reparto protagonista de esta alocada historia. Los enredos diarios en el internado Morinomiya están servidos.

La edición de Planeta es horrorosa, y eso que ya ha tenido dos en nuestro país. Parte del motivo de esta reseña es pedir una nueva edición acorde a la calidad mínima con la que se debe editar un manga (y de paso que editen Marmalade Boy Little y Handsome na kanojo). La primera colección fue en formato grapa, de unas 80 páginas, en un total de 16 números, sentido de lectura occidental. La esperada recopilación en tomo fue también en sentido de lectura occidental (ahorro de maquetación) y con una calidad de impresión muy inferior a la anterior (ésta parece fotocopiada). Muchas tramas pequeñas casi ni se perciben y quedan borrosas, por ejemplo se nota mucho en los peinados de Miyu. Además el corte de páginas destroza bastantes globos de lectura, y la dificulta bastante. Una auténtica pena de edición para la que es, por lo menos, la segunda mejor obra de Watarau Yoshizumi. Sorprendente que no tenga versión anime.

minta

 

All You Need Is Kill – Takeshi Obata

UN TERRORÍFICO DÍA DE LA MARMOTA.

All You Need Is Kill 1 (de 2)

Rústica con sobrecubierta 8.50 €

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El letargo estival en el que suele entrar el mercado editorial por estas fechas no suele dejar novedades tan relevantes como esta adaptación de la novela del mismo nombre. Escrita por Hiroshi Sakurazaka en 2004 y llevada al cine por Doug Liman en 2014 como Edge of Tomorrow (Al filo del mañana), protagonizada por Tom Cruise y Emily Blunt, ahora nos llega la versión manga.

Takeshi Obata se ha convertido en uno de los mangaka estrella del catálogo de Norma editorial, que publicó primero Bakuman y reeditó después la popular Death Note, ambas guionizadas por Tsugumi Oba. En All You Need Is Kill cuenta con el storyboard de Ryosuke Takeuchi y el diseño de personajes original de la novela de Yoshitoshi Abe. Ha sido serializada durante este 2014 en Japón en la revista Weekly Young Jump y recopilada posteriormente en dos tomos.

La historia está ambientada en un futuro apocalíptico y militarizado donde la humanidad sufre la invasión de una especie de mutación extraterrestre. Keiji Kiriya es un joven soldado japonés que acaba de ser reclutado por la Fuerza de Defensa Unida. La trama empieza con la muerte de Keiji ante la atenta mirada de Rita Vrataski, la mejor combatiente con la que cuenta el ejercito aliado estadounidense. Keiji revive, una y otra vez el periodo de tiempo previo a la batalla en la que muere ante el enemigo. Al morir vuelve a repetirse el bucle, sobrevivir parece imposible, ir ganando experiencia en combate es su única opción. Un argumento que recuerda mucho al de la película Groundhog Day (Atrapado en el tiempo), Harold Ramis (1993), donde Bill Murray revivía una y otra vez el 2 de febrero, el día de la marmota.

El dibujo del manga es excelente, realista y minucioso (como todo lo que ilustra Obata) y el argumento de la historia atrapa desde el principio, más a los amantes de la ciencia ficción. Con mucha acción y alto contenido de violencia, el desarrollo de la trama se asemeja al de un videojuego. La corta extensión de la obra facilita darle una oportunidad pero deja por el camino el desarrollo de unos secundarios que resultan demasiado superficiales. Entretenida pero no imprescindible.

Captain Tsubasa – Yoichi Takahashi

¡¡Viva el fútbol!!

Comienza la mayor fiesta del fútbol Mundial.

Algunos dirán que somos unos pesados. Cansamos, si, cada fin de semana (y cada día), a todas horas hay fútbol. Pero el de mayores quilates, el que ningún futbolista ni aficionado quiere perderse es exactamente cada 4 años. La Copa del Mundo es un sueño, y ese sueño es el que desde 1981 transmitió Yoichi Takahashi a jóvenes, no solo japoneses, sino de todo el mundo. Ozora Tsubasa (Oliver Atom, en la traducción americana que nos llegó a España) es un niño apasionado por el fútbol que sueña con llevar a su país, Japón, a la victoria en el Mundial de la Fifa.

En su día era un sueño más utópico que actualmente, ya que Japón no se clasificó para un Mundial hasta 1998, pero desde la cita de Francia no se ha perdido ninguno, y ha llegado dos veces a octavos de final (en el que organizó junto a Corea en 2002 y en el último de Sudáfrica en 2010). A lo largo del manga vemos episodios del fútbol real japonés como la dolorosa derrota contra Irak 0-3 que les impidió llegar al Mundial de Italia 90, cuando lo tenían todo a favor.

Teniendo en cuenta que el fútbol no es el deporte mayoritario en Japón, donde triunfa el Beisbol, la labor de Yoichi Takahashi (como la de Takehiko Inoue en el baloncesto) es notable. El interés que han despertado Captain Tsubasa (1981) o Slam Dunk (1991) han sido fundamentales en la creación de ligas profesionales de fútbol y baloncesto que no existían cuando se empezaron a publicar sus manga.

Muchos futbolistas han reconocido que empezaron a jugar por la influencia de la serie de animación, como Sotaro Yasunaga (U.E. Lleida), el primer japonés que jugó en La Liga. En España, jugadores tan fundamentales como Andrés Iniesta o Fernando Torres (ambos de la exquisita cosecha de 1984 :)) han reconocido también la influencia que tuvo Campeones (Oliver y Benji) en su infancia a la hora de empezar a jugar a fútbol. ¿Qué habría sido de nosotros sin sus goles en las finales de 2008 y 2010? ¿Cuanta culpa ha tenido Takahashi en los triunfos de la roja?

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Iniesta marca el gol de la final del Mundial de Sudáfrica. A la derecha, el manchego con la sudadera del New Team (Nankatsu). No es difícil verle con ropa variada de Captain Tsubasa.

El manga original de Captain Tsubasa (37 tomos) fue publicado por Glénat y fue un fracaso de ventas (tal vez llegó años tarde). Tiene muchas sagas posteriores que hacen que la obra ronde los 90 tomos (y siga) que permanecen inéditos en España, y donde se desarrollan las carreras profesional de los protagonistas en Europa y Japón. En 33 años dibujando a la generación dorada del fútbol japonés, Takahashi aún no ha llegado a disputar su ansiado Mundial de la Fifa, pero otras generaciones de futbolistas reales saltan al campo desde este jueves compartiendo los sueños de Tsubasa (Atom). Algunos los realizarán y otros, como los nuestros, ya los han realizado.

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Oliver Atom (Ozora Tsubasa), el crack japonés del F.C. Barcelona.

DRAGON BALL: BATTLE OF GODS

Aprovechando que este fin de semana se estrena en los cines de Cataluña y País Vasco la nueva película de Dragon Ball Z, reblogueo la crítica que publiqué en septiembre. Llega mas de un año después, pero lo importante es que es la primera película de la saga que llega a (algunas) de nuestras pantallas.

El regreso comercial de la franquicia Dragon Ball Z

Dirección: Masahiro Hosoda.

Guión: Akira Toriyama y Yusuke Watanabe.

85 minutos.

Argumento:

Bills, Dios de la destrucción, despierta de su letargo. Su primer objetivo es encontrar al Saiyan de la leyenda que fue capaz de derrotar a Freezer. Goku está entrenando en el planeta Kaito y espera con ilusión a su nuevo y poderoso rival. Mientras tanto en la tierra Bulma celebra a lo grande su fiesta de cumpleaños.

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La escena: Bills ve en una pantalla temporal la primera transformación de Goku en super Saiyan y parte de su combate con Freezer. Un regalo para los nostálgicos.

Estrenada el 30 de marzo en Japón, la decimoctava película de animación de Dragon Ball (14 de Dragon Ball Z) ha sido todo un acontecimiento, ya que hacía 17 años del estreno de la última en un cine japonés. Ha salido a la venta el 13 de septiembre, por lo que ya es más fácil verla por España con una buena calidad de imagen (aquí no se ha estrenado ni doblado, claro).

La historia se desarrolla entre los capítulos 517 y 518 del manga original, tras la saga de Bu y antes del inicio del epílogo. Sin entrar en spoilers, solo apuntar que no aporta mucho a la historia general de Dragon Ball, es más una presentación coral de personajes, algo caótica, en un tono más humorístico (con un apetecible tour por la gastronomía japonesa). A Vegeta por ejemplo no le sienta nada bien su papel: él era el guerrero vanidoso y confiado al que al que partían la cara de buenas a primeras. La inclusión masiva de personajes puede perder al espectador que no sea muy fan.

Incongruencias y fallos: Los propios fans se percataron en el trailer oficial de que Gohan salía en un modo de transformación obsoleto y se pudo corregir para la película. Satán debería saber bien quién es Dende. Da la sensación que son muchos los años que el producto llevaba guardado y olvidado por los creadores.

En resumidas cuentas, creo que no respeta el espíritu épico del original aunque si que ha conseguido resucitar la franquicia. Espero que el neófito no piense que puede formarse un juicio de valor sobre lo que es Dragon Ball viendo solo esta película y se anime a ver desde el principio una de las historias de aventuras más fascinantes de todos los tiempos.

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